Autore: wp_17563477

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Guitars Semihollow

Gibson ES-335 Sixties Cherry

Parkinson’s e Cinema

Mi ci è voluto un po’ per rendermi conto che uno dei miei più grandi interessi per la scienza affondava le radici in una profonda passione per il cinema nata nel Natale del 1985. Proprio poco prima di quelle feste, vidi per la prima volta “Ritorno al Futuro”. Il film divenne immediatamente il mio preferito perché toccava temi a me cari: l’avventura, l’azione, l’amore per la famiglia e il concetto profondo che i figli, a volte, possano aiutare i propri genitori. Oltre a tutto questo, c’erano le chitarre e la musica.

Nel film ci sono tre scene fondamentali, tutte elementi cruciali della narrazione. La scena iniziale, con la chitarra mini e l’amplificatore gigantesco, riflette un sogno che tutti i giovani chitarristi hanno avuto almeno una volta nella vita: creare caos ultrasonico con la propria musica.

Poi c’è la scena dell’audizione a scuola — un fiasco colossale che tutti i musicisti, professionisti o dilettanti, conoscono bene.

La terza scena rappresenta il momento della redenzione, ed è probabilmente la più importante del film. Dopo aver assicurato il primo bacio ai suoi genitori, a Marty viene chiesto di suonare “qualcosa di forte”. Parte così con “Johnny B. Goode” di Chuck Berry. Sappiamo tutti come si sviluppa la scena: Marty si perde nella musica, passando dal rock-and-roll del 1955 a un frenetico medley di stili futuri: il mulino a vento di Pete Townshend, i calci a terra di Angus Young e il finger-tapping di Eddie Van Halen.

Da bambino di 8 anni, rimasi folgorato dall’energia e dalla potenza del mio nuovo idolo, che dominava quella Gibson con una precisione motoria e un’agilità incredibili.

C’è un paradosso profondo nel vedere l’eroe della propria infanzia diventare il volto globale di una patologia che priva una persona proprio di quel movimento. Michael J. Fox ha trasformato la sua diagnosi in una missione scientifica mondiale e, in un certo senso, io ho seguito inconsciamente quella stessa scia.

La Gibson ES-335 — anche se quella del film era in realtà una ES-345 — è stata il sogno di una vita. Per anni è stata qualcosa che potevo vivere solo nei film e nei desideri. Poi, cinque anni fa, ho sentito di essere finalmente pronto musicalmente per fare il grande passo. L’ho comprata. Dopo un paio d’anni, ho incontrato alcuni rappresentanti della Michael J. Fox Foundation, e il cerchio si è finalmente chiuso.

Ogni volta che impugno questa chitarra, la linea temporale della mia vita si mette a fuoco: è il ponte tra il bambino che sognava nel 1985 e il medico e investitore che oggi cerca una cura. Rappresenta gli eroi che mi hanno insegnato a guardare verso un futuro dove — attraverso la visione, la scienza e la canzone giusta — troveremo finalmente il ritmo per guarire ciò che un tempo si pensava fosse infranto.

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Guitars Semihollow

TV Jones Spectra Sonic Supreme

Rinascita

Nel 1996, i Soundgarden pubblicarono il loro ultimo album in studio prima della reunion del 2010. Il disco, Down on the Upside, ricevette recensioni contrastanti, poiché rappresentava un tentativo di allontanarsi dai mastodontici riff di chitarra e dalla produzione levigata di Superunknown. Molti fan vi videro l’inevitabile declino che avrebbe poi portato allo scioglimento nel 1997.

Nel 1997 compii vent’anni; ci eravamo appena trasferiti a Roma dal Nord Italia. Senza amici e con moltissime incognite, cercavo di trovare il mio posto in quel nuovo mondo, e la musica era allora uno dei pochi pilastri della mia vita. Ma la musica stava cambiando: la marea del grunge si stava ritirando e, per la prima volta nella storia della musica, non c’era un passaggio netto verso una singola nuova scena. Diversi movimenti stavano prendendo il sopravvento, come il Britpop, il Nu Metal e il cosiddetto Post-Grunge.

Tuttavia, nessuno di questi mi piaceva davvero. Certo, c’era dell’ottima musica in giro, ma semplicemente non scattava nulla in me. Mi faceva sentire come se avessi perso qualcosa che non sarebbe mai più tornato.

Quella sensazione di perdita mi accompagnò per anni, finché una band non riportò finalmente quella stessa energia grezza e senza compromessi che mi mancava. Era il 2002. La band erano i Queens of the Stone Age e l’album era Songs for the Deaf. Fu l’album perfetto al momento perfetto per me.

Dave Grohl alla batteria sprigionava quella potenza familiare che arrivava dritta dai vecchi tempi dei Nirvana, agendo come una benedizione per quelli di noi che c’erano stati negli anni ’90. Ma la vera gemma era la mente dietro quel disco: Josh Homme.

Josh Homme era l’architetto dietro tutto ciò. Il suo stile di scrittura e la sua visione nata nel deserto sembravano freschi eppure familiari, dimostrando che il rock non doveva necessariamente morire con il grunge; aveva solo bisogno di evolversi.

La filosofia di Homme era semplice: evitare l’ovvio. Utilizzando chitarre poco note e amplificatori per basso, creò uno stile unico che ridefinì il suono della chitarra nell’era post-grunge. Si tenne intenzionalmente alla larga dai marchi mainstream come Fender e Gibson, cercando sempre, al loro posto, design bizzarri e audaci. Uno di quegli strumenti era la Gretsch G6143 Spectra Sonic.

Nata da una collaborazione con il produttore di pickup TV Jones, la Spectra Sonic sembrava un reperto retro-futuristico di un set di fantascienza degli anni ’50. Non era la tipica macchina da rock; il suo corpo con camere tonali e i suoi pickup unici producevano un twang che era al tempo stesso sofisticato e grezzo. Quando Homme la collegava alle sue testate per basso, creava un suono spigoloso e tagliente che fendeva l’aria: ben lontano dalla distorsione fangosa del passato. Potete sentire il suo timbro in “Little Sister” e “Burn the Witch”.

Per me, scoprire quel suono fu una rivelazione: era la prova visiva e sonora che il rock non era morto; si era semplicemente evoluto in qualcosa di più intelligente, affilato e stilisticamente strano.

Guardando indietro, quella Gretsch Spectra Sonic non squarciò solo il muro del post-grunge; squarciò il mio senso di isolamento. Camminando per le strade affollate e baciate dal sole di Roma con Songs for the Deaf nelle cuffie, non mi sentivo più un estraneo in una città straniera o il relitto di un’era musicale defunta. Il tono di quella chitarra fu un ponte tra il mio passato al Nord e il mio futuro nella Capitale. Mi insegnò che, sebbene non si possa tornare nella Seattle del 1991, si può sempre trovare un nuovo deserto da attraversare. Non avevo perso la mia musica; avevo semplicemente trovato un nuovo modo di ascoltarla. E di suonarla.

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Electrics Guitars

Fender Telecaster American Vintage I 52

Born in the U.S.A.

Il 1985 è stato un anno particolare. La grande nevicata colpì duramente l’Italia e ricordo ancora quell’atmosfera magica delle città avvolte nel bianco. Per un bambino di 7 anni, era come vivere in una fiaba. Tornammo da Roma — dove avevamo trascorso il Natale con i parenti — alla nostra casa nel Nord Italia e scoprimmo che uno dei grandi alberi del nostro giardino era crollato sotto il peso della neve. Rimasi profondamente colpito dal crollo di quell’albero. Per me era una creatura bellissima, vista attraverso gli occhi di un bambino che non poteva sapere che la pianta fosse già malata e debole; in altre parole, pronta ad andarsene.

Ma mentre fuori la natura mostrava il suo lato più fragile, qualcosa stava cambiando dentro casa nostra. Mio fratello mi fece ascoltare un album uscito poco tempo prima: Born in the U.S.A. di Bruce Springsteen. Fu un’epifania. Riesco ancora a sentire l’energia di quei brani che mi travolgevano per la prima volta. Il suono del rullante era come un boom sonico, un rombo di tuono. Da quel giorno, la passione per quel disco non mi ha più lasciato; è diventata parte del mio DNA. E ora, è passata anche a mia figlia.

Per molto tempo, però, sono rimasto lontano dalla Fender Telecaster. Ero solito snobbarla, pensando che fosse troppo semplice o forse proprio non adatta a me. Mi sbagliavo. Alla fine ho capito che la Telecaster è una chitarra per musicisti maturi — persone che non hanno paura di mettersi a nudo, perché quel pezzo di legno non nasconde nulla. È onesta, grezza e richiede autenticità.

Così, tre anni fa, ho finalmente deciso di chiudere il cerchio e ho acquistato una Fender Telecaster American Vintage 1952 usata del 2000. È quanto di più vicino alla chitarra iconica di Bruce, con il suo battipenna nero e quella finitura Butterscotch Blonde.

Imbracciarla è stato come riconnettersi con quel bambino di 7 anni del 1985. Su questa chitarra ho scritto una canzone dedicata a mia madre, che oggi non c’è più. È una sensazione strana: usare una chitarra che rappresenta forza e maturità per esprimere una perdita così delicata e personale.

Oggi, questa riedizione del ’52 non è solo uno strumento della mia collezione. È un ponte tra la neve del 1985, l’albero caduto, il giradischi di mio fratello, il ricordo di mia madre e l’uomo che sono diventato. Mi ci sono voluti decenni per capire questa chitarra, ma ora che ce l’ho, so che si trova esattamente dove deve stare.

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Guitars Semihollow

Gibson ES-335 Chris Cornell Replica

1991, avevo 14 anni, curvo sui libri di scuola mentre mio fratello, più grande di me di sei anni, ascoltava musica con il suo Walkman. Non avevo idea che la mia vita stesse per cambiare nel giro di pochi minuti. Credo stessi leggendo un libro di latino quando mio fratello mi mise le cuffie sulle orecchie. Era il riff di apertura di “Smells Like Teen Spirit”. Dopo un’iniziale reazione scettica (il volume era decisamente troppo alto, come è giusto che fosse), sentii immediatamente il bisogno di ascoltare altro.

    Il 1991 è stato un anno seminale per il rock: la rinascita dell’ultimo grande movimento musicale della storia basato sulla chitarra. Non ci fu solo Nevermind dei Nirvana; ci furono Ten dei Pearl Jam, Achtung Baby degli U2, Blood Sugar Sex Magik dei Red Hot Chili Peppers, Out of Time degli R.E.M. e il Black Album dei Metallica.

    E poi c’era una band unica, un gruppo di quattro persone che scavava a fondo nel blues, nel metal, nei Beatles, nei Led Zeppelin e nei Black Sabbath con il loro album Badmotorfinger. Era più di un semplice esercizio musicale; era uno sguardo onesto, crudo e profondo sulla condizione umana. Al centro di quella band, i Soundgarden, c’era un ragazzo con i capelli ricci, una voce incredibile, un carisma immenso, doti di scrittura uniche e una tecnica chitarristica all’altezza del resto. Il suo nome era Chris Cornell.

    Divenne rapidamente uno dei miei eroi musicali, in compagnia di leggende come John Coltrane, Jimi Hendrix, Miles Davis e Bruce Springsteen. La musica dei Soundgarden ha scandito i capitoli della mia vita, dal loro scioglimento nel 1997 alla loro reunion nel 2010. Nel 2017, Chris Cornell è morto suicida — una perdita terribile per la musica e per milioni di fan, me compreso.

    Era solito trascorrere il Natale a Roma, la città dove vivo. Nel 2016 tenne un concerto qui, ma non potei partecipare a causa di impegni di lavoro. Rimane uno dei miei più grandi rimpianti. Spinto da quel rammarico e da un mix di emozioni — inclusa la gratitudine che provo per mio fratello, che mi ha introdotto a questo genere — ho deciso di rendere omaggio a questa storia, e nello specifico a Chris Cornell, costruendo una replica di una delle sue signature: la Gibson ES-335.

    Ci sono voluti diversi mesi per scegliere i legni, l’hardware e il liutaio che potesse davvero comprendere il significato del progetto. Non è una mera copia di una chitarra, ma un gesto d’amore genuino e di apprezzamento per coloro che hanno arricchito la mia vita con la loro musica e la loro guida.

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    Effects

    DOD Classic Tube FX53

    Subito dopo aver scoperto il grunge, comprai la mia prima chitarra elettrica: una Yamaha RGX nera del 1992. Era una chitarra da battaglia economica — una “super-strat” molto essenziale ma, nel complesso, ben costruita. All’inizio, la sua unica compagnia era un amplificatore a transistor Charvel con un solo canale e un overdrive integrato a due voci (rock o metal, basato principalmente su diverse impostazioni dei medi).

    Tuttavia, mi resi presto conto che mi serviva un pedale — un overdrive o un distorsore — per emulare i miei eroi: Cobain, Hendrix e i Metallica. Avevo pochi soldi e in città c’era solo un negozio di musica, il Discobolo. Vendevano di tutto: strumenti, spartiti e dischi. Entrai, probabilmente con mio fratello o mia madre, o entrambi.

    Dopo aver spiegato cosa cercassi, mi proposero il DOD Classic Tube FX53. In base al numero di serie, il pedale era stato probabilmente prodotto nei primi anni ’80, il che significava che aveva già dieci anni quando lo acquistai. Lo provai usando una Strat e un grosso amplificatore valvolare Marshall, e mi piacque immediatamente.

    Una volta tornato a casa, collegai la chitarra e sparai tutto al massimo. Il suono era completamente diverso — molto, molto scuro. All’epoca sapevo pochissimo di cosa servisse per plasmare un buon timbro, quindi dovetti imparare per tentativi ed errori.

    Non mi sono mai innamorato davvero di questo pedale, ma è stato il primo effetto che io abbia mai posseduto. Rimarrà per sempre legato ai dolci ricordi di me che suono i Nirvana e Hendrix su un rig improbabile nel garage dei miei genitori.

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    Acoustics Guitars

    Gibson L-00 Original e Gibson G-00

    Fratelli separati alla nascita

    Sono sempre stato più interessato alle chitarre elettriche che alle acustiche. I motivi erano molteplici: la mia passione per il rock, la curiosità per suoni e timbri diversi, la potenza di un amplificatore a manetta e le infinite possibilità offerte da pedali ed effetti. Tuttavia, c’è un fattore che ha consolidato la mia preferenza per le elettriche: per me, sono semplicemente più facili da suonare. In termini di suonabilità, le elettriche sono la mia “comfort zone”. Inoltre, amo le forme, i colori, le finiture e l’hardware che si vedono solo sulle chitarre elettriche.

    Ma le cose cambiano, giusto? Invecchiando, ho notato piccoli aggiustamenti nel mio stile e nelle mie priorità su ciò che è veramente importante. Il volume è diventato meno prioritario e una suonabilità senza sforzo non è più necessariamente un vantaggio. Al contrario, ho scoperto che la trasmissione delle vibrazioni dal legno al musicista è una fonte segreta di tono che solo le acustiche possono offrire.

    Di conseguenza, ho sviluppato un interesse crescente per i top in abete, i fondi e le fasce in palissandro, i legni torrefatti e altre caratteristiche del mondo acustico. Durante questo percorso, mi sono imbattuto in una Gibson G-00 usata. È stata la mia prima Gibson acustica. È una chitarra economica costruita in Montana proprio come i modelli più prestigiosi, ma ridotta all’essenziale con alcuni dettagli unici: nello specifico, la Player Port (una buca sonora sulla fascia) e l’uso del noce per fondo e fasce. L’ho pagata 800 euro, un prezzo incredibilmente basso per una Gibson; mi è sembrato un vero affare.

    Ero così felice della mia prima Gibson acustica che l’ho suonata senza sosta, finché la finitura naturale del manico non si è lucidata per lo sfregamento. Di tanto in tanto, ho avuto l’opportunità di provare altri modelli 00 — l’autentica L-00 e alcune repliche della Eastman. Erano belle chitarre, ma ero così orgoglioso della mia G-00 perché, alle mie orecchie, suonava persino meglio di quegli strumenti da tremila euro.

    Poi, navigando su Reverb, ho avvistato una L-00 Original “demo” dal Gibson European Demo Shop. L’estetica era incredibile, così come il prezzo. La mia GAS è scattata immediatamente. Se avete mai comprato una Gibson, sapete esattamente cosa succede quando aprite la custodia di una chitarra nuova di zecca. Quel profumo. Possiedo diverse Gibson e profumano tutte in modo fantastico, ma questa era su un altro livello. So che sembra pazzesco: può un profumo da solo valere il prezzo del biglietto?

    E poi c’è il timbro. Questa L-00 suona aperta e definita, pronta a dare il massimo fin dal primo momento. Comprare online è sempre una scommessa, ma questa volta ho sentito di aver fatto davvero centro. La L-00 ha una gamma completamente diversa rispetto alla G-00 e sicuramente un feeling differente. Sono chiaramente in due categorie diverse. Tuttavia, questo rende la L-00 migliore della G-00?

    Suono ancora la G-00 ogni giorno. Mi spinge a suonare certa musica, a cercare accordi specifici e a colpire i suoi sweet spot unici. Suono anche la L-00 ogni giorno. Ha sbloccato nuove possibilità mostrandomi nuove prospettive su ciò di cui è veramente capace una chitarra acustica.

    Per me, queste due chitarre sono le due metà della stessa mela, o le due facce della luna. La G-00 è il porto sicuro, mentre la L-00 è l’esploratrice audace. Eppure, condividono lo stesso DNA: sono come fratelli che si sono ritrovati dopo tanto tempo.

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    Other

    1929 Conn “Chu Berry” Tenor Sax

    Una storia di libertà

    Mio padre è un sassofonista (in realtà è un medico), ma quando ero bambino suonava il clarinetto. È il tipo d’uomo con interessi altamente selettivi che richiedono la sua totale attenzione e impegno sopra ogni altra cosa. La musica non faceva eccezione. La sua preferita era, ed è tuttora, il jazz tradizionale di New Orleans e il Dixieland. Aveva un registratore a nastro Geloso con diverse bobine che riproducevano gli Hot Five e gli Hot Seven di Louis Armstrong, Jelly Roll Morton & his Red Hot Peppers, i New Orleans Rhythm Kings, la Original Dixieland Jazz Band e il gruppo revival chiamato Yerba Buena Jazz Band.

    Ero affascinato da quella macchina Geloso, con i suoi clic meccanici, i tasti colorati da giocattolo e quell’altoparlante comicamente piccolo. Mio padre ascoltava i nastri nel pomeriggio, dopo il lavoro, e a volte ci suonava sopra con il suo clarinetto. Il risultato a volte era buono, a volte passabile e altre volte comico. Di conseguenza, divenne presto una fonte inesauribile di battute e prese in giro nella nostra famiglia.

    All’epoca non potevo immaginare che avrei seguito le orme di mio padre circa un decennio più tardi. Dopo essermi trasferito a Roma, iniziai a suonare il sassofono contralto di mio papà come estremo tentativo di prenderlo in giro. Lo strumento — un regalo economico di sua madre — non era mai stato il suo preferito; ne detestava il timbro e gli aveva preferito il clarinetto. Di conseguenza, il sax giaceva dimenticato nella sua custodia, e questo fatto da solo accese il mio interesse. In quel periodo, mio padre stava studiando — e occasionalmente torturando — un brano di uno dei suoi eroi, Bix Beiderbecke, intitolato “Singin’ the Blues”. Il pezzo ha un’introduzione suonata su un sax C-melody (essenzialmente un tenore in Do) da un grande musicista di nome Frankie Trumbauer. Senza alcuna tecnica né conoscenza dello strumento, provai a replicare quel suono e, con mia grande sorpresa, riuscii a catturarne il feeling.

    Da lì in poi, fu un effetto valanga. Il Jazz smise di essere solo un modo per stuzzicare mio padre; divenne una passione — viscerale. Iniziai a prendere lezioni e comprai persino un sax C-melody degli anni ’30. Uno dei motori principali di questa passione inaspettata era certamente il desiderio di connettermi con lui. Molte delle decisioni che presi all’inizio furono dettate da quel bisogno. Così, ascoltavo il jazz tradizionale sul registratore Geloso e cercavo di trascrivere assoli e parti. Ero piuttosto bravo e veloce nel farlo, e mio padre era davvero orgoglioso di me.

    Dopo un paio d’anni, mio padre mi convinse a unirmi a una band formata dai suoi vecchi compagni di scuola. Cercavano un sassofonista tenore; inoltre, i limiti del mio C-melody — soprattutto l’intonazione — erano diventati ostacoli alla mia crescita e alle performance. Dovevo prendere un nuovo strumento: un sax tenore. Poiché nell’ambiente erano tutti ossessionati dai vintage horns, cercammo un buon pezzo degli anni ’30. Provai diversi sax, ma nulla superava il mio C-melody in termini di timbro. Alla fine, trovai quello giusto: un Conn “Chu Berry” del 1929. Era ridotto piuttosto male, con graffi e ammaccature ovunque. Il colore dell’ottone era unico — una tonalità profonda, quasi rossastra. Il suono era incredibilmente potente e pieno; sembrava più un baritono che un tenore. Me ne innamorai all’istante.

    Sono profondamente grato a questo sassofono per le molte ore di gioia, sudore, potenza e rabbia che mi ha regalato. Ma, cosa più importante, questo sax mi ha aiutato a capire chi fossi veramente. Il suo timbro era lo strumento perfetto per suonare il jazz degli anni ’40, ’50 e persino ’60 — da Hawkins e Young fino a Rollins, Coltrane, Shorter e Getz. Potevo suonare tutto ciò che volevo e andare oltre il jazz delle origini. Non ero più solo un clone di mio padre; capii che non avevo bisogno di compiacerlo per essere in sintonia con lui.

    Alla fine, non ho trovato solo un nuovo strumento; ho trovato la mia voce all’interno della sua, trasformando un vecchio scherzo di famiglia in un viaggio verso la libertà.

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    Guitars Semihollow

    Duesenberg Starplayer TV Black

    Un sogno ceduto in cambio di un algoritmo

    La primavera del 2024 è stata un periodo difficile per me. Stavo affrontando un lutto — il tipo di perdita che capita solo due o tre volte nella vita, se non meno. Uno dei miei meccanismi di difesa è stata la mia GAS. In un certo senso, mi ha aiutato a lenire il dolore, ma mi ha anche impedito di elaborare ciò che stavo vivendo. Fortunatamente non ero solo. Avevo persone con cui parlare, specialmente mio fratello, che capiva sia il mio dolore che la mia GAS.

    Quando mio fratello ha preso una Duesenberg Starplayer TV (link qui), era pieno di entusiasmo per la chitarra e la sua eccezionale fattura. Mi sono incuriosito riguardo al marchio e ho scoperto che era apprezzato anche da Chris Cornell (uno dei miei eroi, leggi questo post). Partendo da lì, ho cercato online e ho trovato alcune opzioni. Alla fine ho scovato una Starplayer TV nera piuttosto vissuta, con parecchi graffi sul retro e qualche ammaccatura qua e là. Il prezzo era quello giusto e il proprietario era a Roma, così l’ho contattato per organizzare un incontro e andare a vedere la chitarra.

    Dopo trenta minuti di macchina, sono arrivato e ho incontrato il proprietario. Era molto gentile e si capiva che era una brava persona, disposta ad aprirsi sulla storia della chitarra e su ciò che stava passando in quel momento. Aveva comprato la chitarra nel 2008 (prodotta nel settembre di quell’anno) per suonare blues e rock con una band appena formata. Si capiva che aveva fatto molto bending sulla corda del Sol e suonato un sacco di accordi di La in posizione aperta, a giudicare dall’usura dei tasti. C’era un’aria sognante nei suoi occhi mentre ricordava quei giorni, ma c’era anche qualcosa di più della semplice nostalgia — una sorta di tristezza. Inizialmente, ho pensato che fosse triste per la traiettoria della sua carriera musicale. Tuttavia, mi ha poi spiegato il motivo per cui aveva deciso di vendere questa Duesenberg così splendidamente consumata: aveva lasciato la band e voleva concentrarsi sulla creazione di contenuti per TikTok e Instagram. Per farlo, gli serviva una chitarra acustica.

    Per molti versi, questa storia riflette una tendenza più ampia: la musica è diventata una mera merce di consumo e, in molti casi, c’è stato un passaggio drastico dall’essere un musicista al diventare un content creator. Come appassionato di musica, lo trovo difficile da accettare; eppure, è proprio così che vanno le cose oggi.

    Tornando al proprietario, mentre mi raccontava di come fosse riuscito a scovare quella chitarra — dovendo persino convincere uno dei più grandi negozi di musica di Roma a importare un singolo esemplare Duesenberg dato che non erano ancora distribuite in Italia — ho iniziato a capire che la sua tristezza affondava le radici in qualcosa di diverso dal cambiamento del mercato musicale o del suo ruolo in esso. Stava dicendo addio a una vecchia amica, una compagna — quella con cui aveva condiviso il suo sogno, quella Duesenberg vissuta. Ogni graffio era una cicatrice, ogni ammaccatura un ricordo.

    Sapevo esattamente cosa si prova a lasciare andare qualcosa che contiene una vita intera. Allora, è sorta spontanea una domanda: “Sei sicuro? Vuoi davvero venderla?”. C’è stata una lunga pausa, poi lui ha detto: “Sì, l’ho avuta per molti anni. Ci siamo divertiti insieme, ma ora ho bisogno di andare avanti. Però, per favore, mandami delle foto di lei ogni tanto, specialmente se la porti a suonare da qualche parte”.

    Ho riservato a questa Duesenberg un posto speciale nella mia collezione, non solo come chitarra, ma come modo per mantenere la promessa e onorare la memoria delle persone che abbiamo perduto.

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    Electrics Guitars

    Maybach Lester Cherry Lane ’58

    Da un’amicizia fallita a Mark Knopfler

    Nel 1994 compivo 17 anni, un anno di cui conservo molti ricordi. Ricordo la morte di Ayrton Senna e di Kurt Cobain, il caso O.J. Simpson e Nelson Mandela che diventava il primo presidente nero del Sudafrica. Fu anche l’anno di Pulp Fiction e Forrest Gump e, naturalmente, della finale dei Mondiali tra Italia e Brasile con l’iconico errore di Roberto Baggio.

    Ma ci sono anche ricordi di eventi personali — meno tragici e drammatici, forse, ma ovviamente più importanti per me come individuo.

    Uno di questi riguarda un’amicizia fallita. Vi è mai capitato di incontrare qualcuno e sentire una potenziale affinità che però, per qualche ragione, non si è mai sviluppata come avrebbe potuto? Può essere una questione di tempismo, o una mancanza di energie e motivazione. O forse c’era meno affinità di quanto pensaste.

    Lui era un amico di un amico, un anno più grande di me, il che significava che aveva già la patente. Era un po’ scontroso ma tutto sommato divertente. E non gli importava affatto del mio accento. Diventammo amici piuttosto in fretta, anche se mantenevamo una certa distanza. Uscivamo con un gruppo di amici, mai da soli io e lui.

    Percepivo che quel ragazzo avesse un malessere di fondo — forse della rabbia sepolta nel profondo. Lo si capiva dal suo stile di guida: piede pesante e curve brusche. Guidava un’utilitaria, probabilmente modificata, con un impianto audio gigantesco. Era molto orgoglioso dell’auto, e in particolare dell’impianto, che sfoggiava alzando il volume al massimo. La musica dance anni ’90 era il suo genere preferito — qualcosa che all’epoca detestavo profondamente.

    Di conseguenza, fu una sorpresa enorme quando si presentò a casa mia con un CD che non avevo ancora ascoltato. Era Brothers in Arms dei Dire Straits. “Dovresti ascoltarlo, ci sono delle parti di chitarra fantastiche”, disse, comportandosi come se fosse un esperto di chitarre e di buona musica.

    Inutile dire che quel disco mi lasciò a bocca aperta. Mi aiutò ad ampliare i miei orizzonti musicali e approfondì il mio interesse per la chitarra. Gli ero grato, così, per ricambiare, gli prestai uno dei miei CD di Jimi Hendrix.

    La sua reazione non fu quella che mi aspettavo. “Non mi piace”, disse. “Fa troppo rumore e non si sente bene sull’impianto della macchina”. A 17 anni, questo è un motivo sufficiente per chiudere un’amicizia. Così, tornammo al nostro rapporto superficiale, rinunciando al tentativo di renderlo più profondo. Dopo un paio d’anni, ci siamo semplicemente persi di vista.

    Nel 2024 — 30 anni dopo — ho trovato un modello interessante di Les Paul, una Maybach Lester Cherry Lane ’58 del 2017. Era aged e mi ha ricordato immediatamente una delle chitarre suonate da Mark Knopfler in quell’album, nello specifico nel brano Money for Nothing. Non avevo mai imparato quella canzone, in parte per pigrizia e in parte perché sulla chitarra elettrica preferisco usare il plettro anziché le dita.

    Eppure, c’era ancora un conto in sospeso con i Dire Straits e Money for Nothing. I miei pensieri sono tornati al 1994 e a quel “quasi-amico” che per primo mi aveva fatto ascoltare l’album. Quella chitarra era la mia occasione di riscatto.

    L’ho comprata. E ho provato a imparare quel riff. E ci sono riuscito. Non è perfetto al 100%, ma ci sono quasi. E questo mi basta. Perché il vero obiettivo non è suonare un brano alla perfezione ma è riconnettersi con quel ricordo, dire grazie, e dire che mi dispiace non aver dato il massimo allora.